A historia do cinema, tal como a conhecemos hoje, originou-se no início do século XIX através de uma série de desenvolvimentos tecnológicos: a criação da fotografia, a descoberta da ilusão do movimento através da combinação de imagens fixas e individuais e o estudo da locomoção humana e animal.

A história do cinema apresentada aqui começa no ponto culminante desses desenvolvimentos tecnológicos, onde surgiu a idéia do cinema como uma indústria de entretenimento.Desde então, a indústria viu transformações extraordinárias, algumas impulsionadas pelas visões artísticas de participantes individuais, algumas por necessidade comercial e outras ainda por acidente.

A HISTORIA DO CINEMA: A TECNOLOGIA CINEMATOGRÁFICA NO FINAL DO SÉCULO XIX

Em 1891, o inventor Thomas Edison, junto com William Dickson, um jovem assistente de laboratório, saiu com o que eles chamaram cinetoscópio,um dispositivo que se tornaria o predecessor do projetor de filmes cinematográficos.

O kinetoscópio era um armário com uma janela através da qual os espectadores podiam experimentar a ilusão de uma imagem em movimento tira de filme de celulóide com uma seqüência de imagens, foi rapidamente enrolada entre uma lâmpada e uma lente, criando a ilusão de movimento.

Os visualizadores de imagens puderam ver no cinetoscópio os eventos capturados e performances que haviam sido encenadas no estúdio de Edison em East Orange, Nova Jersey.especialmente performances de circo, dançarinas, brigas de galos, lutas de boxe, e até uma extração dentária por um dentista.

À medida que o kinetoscópio ganhou popularidade, Edison Company começou a instalar máquinas em lobbies de hotéis, parques de diversão e fliperamas, e logo os chamados “salões de kinetoscópio” – onde os clientes podiam pagar cerca de 25 centavos por um banco de máquinas – foram abertos em todo o país.

No entanto, quando amigos e colaboradores sugeriram que Edison encontrasse uma maneira de projetar suas imagens do kinetoscópio para a audiência, ele aparentemente recusou, alegando que tal invenção seria um empreendimento menos lucrativo.

Como Edison não havia conseguido uma patente internacional para sua invenção, variações do cinetoscópio logo foram copiadas e distribuídas pela Europa.

Essa nova forma de entretenimento foi um sucesso instantâneo, e vários mecânicos e inventores, vendo uma oportunidade, começaram a brincar com métodos de projetar as imagens em movimento em uma tela maior. No entanto, foi a invenção de dois irmãos, Auguste e Louis Lumière – fabricantes de produtos fotográficos em Lyon, na França – que tiveram o maior sucesso comercial.

Em 1895, os irmãos patentearam o cinématographe (do qual obtemos o termo cinema), um projetor de filme leve que também funcionava como câmera e impressora. Ao contrário do cinetógrafo de Edison, o cinématografo era leve o suficiente para facilitar as filmagens externas, e ao longo dos anos os irmãos usaram a câmera para fazer mais de mil curtas-metragens, a maioria dos quais retratava cenas da vida cotidiana.

Em dezembro de 1895, no lounge do porão do Grand Café, Rue des Capucines, em Paris, a Lumières realizou a primeira exibição de filmes comerciais do mundo, uma sequência de cerca de 10 cenas curtas, incluindo o primeiro filme do irmão, Workers Leaving the Lumière Factory, um segmento que dura menos de um minuto e retrata os trabalhadores que saem da fábrica de instrumentos fotográficos da família no final do dia.

Acreditando que o público ficaria entediado assistindo cenas que eles poderiam facilmente observar em um passeio casual pela cidade, Louis Lumière afirmou que o cinema era “uma invenção sem futuro, mas a demanda por filmes cresceu num ritmo tão rápido que em pouco tempo os representantes da companhia Lumière viajavam pela Europa e pelo mundo, mostrando as exibições de meia hora dos filmes da empresa.

Enquanto o cinema inicialmente competia com outras formas populares de entretenimento – circos, teatros, shows de mágica e muitos outros – acabaria por suplantar esses vários entretenimentos como a principal atração comercial.

Um ano após a primeira exibição comercial da Lumières, empresas de filmes concorrentes ofereciam bandas de cinema em salas de música e teatros de vaudeville em toda a Grã-Bretanha.

Nos Estados Unidos, Edison Company, tendo adquirido os direitos de um projetor melhorado que chamaram de Vitascope e realizou sua primeira exibição de filmes em abril de 1896 no Koster e no Bial’s Music Hall em Herald Square, Nova York.

A HISTÓRIA DO CINEMA – THE NICKELODEON CRAZE (1904-1908)

Um desses cineastas e produtores inovadores foi Edwin S. Porter, projetista e engenheiro da Edison Company. O filme de 12 minutos de Porter, The Great Train Robbery (1903), rompeu com as composições de filmes estilo Méliès através do uso de edição, imagens de câmera, projeções posteriores e tomadas na diagonal que produziam uma continuidade de ação.

O The Great Train Robbery não só estabeleceu a narrativa realista como padrão no cinema, como também foi o primeiro grande sucesso de bilheteria. Seu sucesso abriu o caminho para o crescimento da indústria cinematográfica, já que os investidores, reconhecendo o grande potencial lucrativo do cinema, começaram a abrir os primeiros cinemas permanentes em todo o país.

Conhecidos como nickelodeons por causa de sua taxa de entrada de 5 centavos, esses cinemas, frequentemente alojados em lojas convertidas, eram especialmente populares entre a classe trabalhadora da época, que não podiam pagar por entrada no teatro ao vivo. Entre 1904 e 1908, cerca de 9.000 nickelodeons apareceram nos Estados Unidos.

Foi a popularidade do nickelodeon que estabeleceu o cinema como um meio de entretenimento de massa.

A ASCENSÃO DO CINEMA

Nesses primeiros anos, os cinemas ainda rodavam filmes de um único rolo, que chegavam a um comprimento padrão de 1.000 pés, permitindo cerca de 16 minutos de reprodução.

No entanto, as empresas começaram a importar filmes de vários rolos de produtores europeus por volta de 1907, e o formato ganhou aceitação popular nos Estados Unidos em 1912 com o bem-sucedido Queen Elizabeth , de Louis Mercanton , um “recurso” de três rolos e meio, estrelado pela atriz francesa Sarah Bernhardt.

À medida que os expositores começaram a mostrar mais recursos – como o filme de múltiplas bobinas passou a ser chamado -, descobriram uma séries de vantagens em relação ao curto de um único rolo. Por um lado, o público viu esses filmes mais longos como eventos especiais e estava disposto a pagar mais pela entrada.

HOLLYWOOD

Como o cinema aumentou em popularidade entre a classe média, e como os filmes começaram a manter o público em seus lugares por longos períodos de tempo, os expositores descobriram a necessidade de criar espaços de teatro mais confortáveis ​​e ricamente decorados para atrair seu público.

Esses “palácios de sonhos”, assim chamados por causa de seus excessivos e luxuosos enfeites de mármore, latão, guild e vidro lapidado, substituíram o teatro Nickelodeon, mas também criaram a demanda que levaria ao sistema de estúdios de Hollywood.

Alguns produtores perceberam que a crescente demanda por novos trabalhos só poderia ser atendida se os filmes fossem produzidos em um sistema regular durante todo o ano.

Contudo, isso era impraticável com o sistema atual, que muitas vezes se baseava em filmagens externas e era predominantemente baseado em Chicago e Nova York – duas cidades cujas condições meteorológicas impediam a filmagem ao ar livre durante uma parte significativa do ano.

Diferentes empresas tentaram filmar em lugares mais quentes, como Flórida, Texas e Cuba, mas o lugar onde os produtores finalmente tiveram mais sucesso foi um pequeno subúrbio industrial de Los Angeles chamado Hollywood.

Hollywood provou ser um local ideal por várias razões. O clima não só era temperado e ensolarado o ano todo, como a terra era abundante e barata, e a localização permitia o acesso próximo a diversas topografias: montanhas, lagos, desertos, costas e florestas. Em 1915, mais de 60% da produção cinematográfica dos EUA estava centrada em Hollywood.

A ARTE DO FILME SILENCIOSO

Embora o desenvolvimento do filme narrativo tenha sido impulsionado principalmente por fatores comerciais, também é importante reconhecer o papel de artistas individuais que o transformaram em um meio de expressão pessoal.

O filme da era silenciosa era geralmente de natureza simplista; agiu em movimentos excessivamente animados para atrair os olhos; e acompanhada de música ao vivo, tocada por músicos no teatro, e títulos escritos para criar um clima e narrar uma história.

Dentro dos limites desse meio, um cineasta em particular surgiu para transformar o filme mudoem uma arte e para desbloquear o seu potencial como um meio de expressão séria e persuasão. DW Griffith, que entrou para a indústria cinematográfica como ator em 1907, mudou rapidamente para um papel de diretor em que trabalhava de perto com sua equipe de filmagem para experimentar tomadas, ângulos e técnicas de edição que aumentassem a intensidade emocional de suas cenas.

Ele descobriu que, praticando a edição paralela , em que um filme alterna entre duas ou mais cenas de ação, ele poderia criar uma ilusão de simultaneidade. Ele poderia, então, aumentar a tensão do drama do filme, alternando entre cortes cada vez mais rapidamente até que as cenas de ação convergissem.

Griffith usou essa técnica com grande sucesso em seu polêmico filme O nascimento de uma nação, que será discutido em maior detalhe mais adiante neste capítulo.

Outras técnicas que Griffith empregou para novos efeitos incluíram tiros panorâmicos , através dos quais ele foi capaz de estabelecer um senso de cena e engajar seu público mais plenamente na experiência do filme, e tiros de rastreamento , ou tiros que viajaram com o movimento de um filme cena (Motion Pictures), que permitiu ao público – através do olho da câmera – participar da ação do filme.

MPAA: COMBATE À CENSURA

Como o cinema tornou-se uma indústria cada vez mais lucrativa nos Estados Unidos, figuras proeminentes da indústria como DW Griffith, o comediante / diretor de filmes de comédia Charlie Chaplin e os atores Mary Pickford e Douglas Fairbanks tornaram-se extremamente ricos e influentes.

Atitudes públicas em relação às estrelas e ao estilo de vida extravagante de algumas estrelas foram divididas, assim como são hoje: por um lado, essas celebridades foram idolatradas e imitadas na cultura popular, mas, ao mesmo tempo, foram criticadas por representarem uma ameaça. e fora da tela, para a moral tradicional e ordem social.

E assim como hoje, a mídia de notícias gostava de sensacionalizar a vida das celebridades para vender histórias.

O comediante Roscoe “Fatty” Arbuckle, que trabalhou com os futuros ícones Charlie Chaplin e Buster Keaton, esteve no centro de um dos maiores escândalos da era do cinema mudo. Quando Arbuckle organizou uma festa de maratona no final de semana do Dia do Trabalho em 1921, uma de suas convidadas, a modelo Virginia Rapp, foi levada às pressas para o hospital, onde mais tarde ela morreu.

Relatos de uma orgia bêbada, estupro e assassinato vieram à tona. Após a Primeira Guerra Mundial, os Estados Unidos estavam no meio de reformas sociais significativas, como a Proibição. Muitos temiam que os filmes e suas estrelas pudessem ameaçar a ordem moral do país.

Por causa da natureza do crime e da celebridade envolvida, esses medos ficaram inexplicavelmente ligados ao caso Artbuckle (Motion Pictures). Embora os relatórios de autópsia determinassem que Rapp morrera de causas pelas quais Arbuckle não podia ser culpado, o comediante foi julgado (e absolvido) por homicídio culposo e sua carreira foi arruinada, onde ela mais tarde morreu.

Relatos de uma orgia bêbada, estupro e assassinato vieram à tona. Após a Primeira Guerra Mundial, os Estados Unidos estavam no meio de reformas sociais significativas, como a Proibição. Muitos temiam que os filmes e suas estrelas pudessem ameaçar a ordem moral do país. Por causa da natureza do crime e da celebridade envolvida, esses medos ficaram inexplicavelmente ligados ao caso Artbuckle (Motion Pictures).

Embora os relatórios de autópsia determinassem que Rapp morrera de causas pelas quais Arbuckle não podia ser culpado, o comediante foi julgado (e absolvido) por homicídio culposo e sua carreira foi arruinada. onde ela mais tarde morreu.

Relatos de uma orgia bêbada, estupro e assassinato vieram à tona. Após a Primeira Guerra Mundial, os Estados Unidos estavam no meio de reformas sociais significativas, como a Proibição. Muitos temiam que os filmes e suas estrelas pudessem ameaçar a ordem moral do país. Por causa da natureza do crime e da celebridade envolvida, esses medos ficaram inexplicavelmente ligados ao caso Artbuckle.

Embora os relatórios de autópsia determinassem que Rapp morrera de causas pelas quais Arbuckle não podia ser culpado, o comediante foi julgado (e absolvido) por homicídio culposo e sua carreira foi arruinada. Muitos temiam que os filmes e suas estrelas pudessem ameaçar a ordem moral do país.

Por causa da natureza do crime e da celebridade envolvida, esses medos ficaram inexplicavelmente ligados ao caso Artbuckle (Motion Pictures). Embora os relatórios de autópsia determinassem que Rapp morrera de causas pelas quais Arbuckle não podia ser culpado, o comediante foi julgado (e absolvido) por homicídio culposo e sua carreira foi arruinada.

Muitos temiam que os filmes e suas estrelas pudessem ameaçar a ordem moral do país. Por causa da natureza do crime e da celebridade envolvida, esses medos ficaram inexplicavelmente ligados ao caso Artbuckle. Embora os relatórios de autópsia determinassem que Rapp morrera de causas pelas quais Arbuckle não podia ser culpado, o comediante foi julgado (e absolvido) por homicídio culposo e sua carreira foi arruinada.

O caso Arbuckle e uma série de outros escândalos aumentaram o medo do público sobre o impacto de Hollywood. Em resposta a essa ameaça percebida, os governos estaduais e municipais tentaram cada vez mais censurar o conteúdo de filmes que descreviam crime, violência e material sexualmente explícito.

Decidindo que precisavam se proteger da censura do governo e promover uma imagem pública mais favorável, os grandes estúdios de Hollywood organizaram, em 1922, uma associação que eles chamaram de Produtores de Filmes e Distribuidores da América (posteriormente renomeada como Associação de Cinema da América, ou MPAA). Entre outras coisas, a MPAA instituiu um código de autocensura para a indústria cinematográfica.

Hoje, a MPAA opera por um sistema de classificação voluntário, o que significa que os produtores podem enviar voluntariamente um filme para revisão, que é projetado para alertar os espectadores sobre a adequação à idade de um filme, enquanto ainda protege a liberdade artística dos cineastas.

A REVIRAVOLTA DOS FILMES SILENCIOSOS

Em 1925, a Warner Bros. era apenas um pequeno estúdio de Hollywood em busca de oportunidades para se expandir. Quando representantes da Western Electric propuseram vender ao estúdio os direitos de uma nova tecnologia que chamaram de Vitaphone, um sistema de som no disco que não conseguiu captar o interesse de nenhum dos gigantes da indústria, os executivos da Warner Bros. arriscaram, prevendo que a novidade dos filmes falados pode ser uma maneira de obter um lucro rápido e de curto prazo.

Mal previam eles que sua aposta não apenas as estabeleceria como uma grande presença de Hollywood, mas também mudariam a indústria para sempre.

O emparelhamento de som com filmes não era novidade em si mesmo. Afinal de contas, Edison havia encomendado o cinetoscópio para criar um acompanhamento visual do fonógrafo, e muitos dos primeiros teatros tinham orquestras para fornecer acompanhamento musical aos seus filmes.

Mesmo as casas menores com orçamentos mais baixos quase sempre tinham um órgão ou piano. Quando a Warner Bros comprou a tecnologia Vitaphone, planejou usá-la para fornecer acompanhamento orquestral pré-gravado para seus filmes, aumentando assim sua capacidade de comercialização para os teatros menores que não tinham seus próprios orquestra (Gochenour, 2000).

Em 1926, a Warner estreou o sistema com o lançamento de Don Juan, um drama de fantasia acompanhado por uma gravação da Orquestra Filarmônica de Nova York; o público respondeu entusiasticamente (Motion Pictures). Por volta de 1927, depois de uma campanha de US $ 3 milhões, a Warner Bros tinha mais de 150 cinemas nos Estados Unidos e lançou seu segundo filme sonoro, The Jazz Singer , no qual o ator Al Jolson improvisou algumas linhas de diálogo sincronizado e cantou. seis músicas.

O filme foi um grande avanço. Audiências, ouvindo um ator falar na tela pela primeira vez, ficaram encantadas (Gochenour). Enquanto o rádio, um entretenimento novo e popular, vinha atraindo o público das casas de cinema há algum tempo, com o nascimento do “ talkie”, Ou cinema falado, o público mais uma vez retornou ao cinema em grande número, atraído pela promessa de ver e ouvir seus ídolos se apresentarem (Higham, 1973).

Em 1929, três quartos dos filmes de Hollywood tinham alguma forma de acompanhamento sonoro e, em 1930, o filme mudo era coisa do passado.

OS FILMES COMEÇAM A GANHAR COR

Embora as técnicas de tingimento e pintura manual tivessem sido métodos disponíveis para adicionar cor aos filmes por algum tempo (Georges Méliès, por exemplo, contratou uma equipe para pintar à mão muitos de seus filmes), nenhum dos métodos pegou.

A técnica de pintura à mão tornou-se impraticável com o advento do cinema produzido em massa, e o processo de tingimento, que os cineastas descobriram que criaria uma interferência na transmissão do som nos filmes, foi abandonado com a ascensão do talkie.

No entanto, em 1922, a empresa Technicolor de Herbert Kalmus introduziu uma técnica de transferência de corantes que lhe permitiu produzir um filme completo, The Toll of the Sea , em duas cores primárias (Gale Virtual Reference Library).

No entanto, porque apenas duas cores foram usadas, o aparecimento de The Toll of the Sea (1922),Os Dez Mandamentos (1923) e outros filmes iniciais do Technicolor não eram muito vivos. Em 1932, a Technicolor projetou um sistema de três cores com resultados mais realistas e, nos 25 anos seguintes, todos os filmes coloridos foram produzidos com esse sistema aprimorado.

Os Três Porquinhos da Disney (1933) e Branca de Neve e os Sete Anões (1936) e filmes com atores ao vivo, como O Mágico de Oz (1939) e Gone With the Wind (1939), experimentaram o sucesso precoce usando o método de três cores da Technicolor. .

Apesar do sucesso de certos filmes coloridos na década de 1930, Hollywood, como o resto dos Estados Unidos, estava sentindo o impacto da Grande Depressão, e as despesas de câmeras especiais, equipes e processamento do laboratório Technicolor tornaram os filmes coloridos impraticáveis ​​para os estúdios tentando para cortar custos. Portanto, não foi até o final da década de 1940 que Technicolor iria substituir amplamente o filme em preto-e-branco.

ASCENSÃO E QUEDA DO HOLLYWOOD STUDIO

O aumento do público de teatro que se seguiu à introdução de filmes falados mudou a estrutura econômica da indústria cinematográfica, provocando algumas das maiores fusões na história da indústria. Em 1930, oito estúdios produziram 95% de todos os filmes americanos e continuaram a crescer mesmo durante a Depressão.

Os cinco mais influentes desses estúdios – Warner Bros., Metro-Goldwyn-Mayer, RKO, 20th Century Fox e Paramount – foram integrados verticalmente; ou seja, eles controlavam todas as partes do sistema, relacionadas a seus filmes, desde a produção até a liberação, distribuição e até a visualização.

Por possuírem cadeias de teatro em todo o mundo, esses estúdios controlavam quais eram os filmes exibidos pelos expositores e, como “possuíam” um estoque de diretores, atores, escritores e assistentes técnicos por contrato, cada estúdio produzia filmes de um personagem específico.

O final da década de 1930 e o início da década de 1940 são às vezes conhecidos como a ” Idade de Ouro ” do cinema, uma época de sucesso inigualável para a indústria cinematográfica; em 1939, o cinema era a 11ª maior indústria nos Estados Unidos e, durante a Segunda Guerra Mundial, quando a economia dos EUA estava novamente florescendo, dois terços dos americanos freqüentavam o teatro pelo menos uma vez por semana (Britannica Online).

Alguns dos filmes mais aclamados da história foram lançados durante esse período, incluindo Citizen Kane e The Grapes of Wrath . No entanto, a inflação do pós-guerra, uma perda temporária dos principais mercados estrangeiros, o advento da televisão e outros fatores combinados para levar esse crescimento rápido ao fim.

Em 1948, o caso dos Estados Unidos vs. Paramount Pictures- exigir concorrência e forçar os estúdios a abandonar o controle das cadeias de teatro – deu o golpe devastador final do qual o sistema de estúdios jamais se recuperaria. O controle dos grandes estúdios revertia para Wall Street, onde os estúdios acabavam sendo absorvidos por corporações multinacionais, e os poderosos chefes de estúdio perderam a influência que tinham por quase 30 anos.

A LISTA NEGRA DE HOLLYWOOD

A Guerra Fria com a União Soviética começou em 1947, e com isso veio o medo generalizado do comunismo, não apenas de fora, mas igualmente de dentro.

Para minar essa ameaça percebida, o Comitê de Atividades Antiamericanas (HUAC) da Câmara iniciou investigações para localizar simpatizantes comunistas na América que eram suspeitos de conduzir espionagem para a União Soviética.

Na atmosfera altamente conservadora e paranóica da época, Hollywood, fonte de um meio de comunicação de massa, foi criticada em resposta aos temores de que mensagens comunistas e subversivas estivessem sendo incorporadas aos filmes.

Em novembro de 1947, mais de 100 pessoas no setor cinematográfico foram chamadas para testemunhar perante o HUAC sobre o envolvimento de seus colegas com os assuntos comunistas. Dos investigados, 10 recusaram-se a cooperar com as questões da comissão. Esses 10, mais tarde conhecidos como Hollywood Ten, foram demitidos de seus empregos e sentenciados a cumprir até um ano de prisão.

Os estúdios, já escorregando em influência e lucro, estavam ansiosos para cooperar para se salvar, e vários produtores assinaram um acordo afirmando que nenhum comunista trabalharia em Hollywood.

As audiências, que recomeçaram em 1951 com a ascensão da influência do senador Joseph McCarthy, se transformaram em uma espécie de caça às bruxas, quando se pedia a testemunhas que testemunhassem contra seus associados, e uma lista negra de suspeitos comunistas evoluiu.

Mais de 324 pessoas perderam seus empregos na indústria cinematográfica como resultado de listas negras (a negação de trabalho em um determinado campo ou indústria) e investigações HUAC (Georgakas, 2004; Mills, 2007; Dressler, et al., 2005).

A TELEVISÃO APRESENTA UMA AMEAÇA

Embora os fatores econômicos e a legislação antitruste tenham desempenhado papéis fundamentais no declínio do sistema de estúdios, talvez o fator mais importante desse declínio tenha sido o advento da televisão. Dada a oportunidade de assistir a “filmes” no conforto de suas próprias casas, os milhões de americanos que possuíam uma televisão no início da década de 1950 freqüentavam o cinema com muito menos frequência do que há alguns anos (Motion Pictures).

Em uma tentativa de reconquistar o público cada vez menor, os estúdios fizeram o melhor que puderam para explorar as maiores vantagens do cinema na televisão. Por um lado, a transmissão televisiva na década de 1950 foi toda em preto e branco, enquanto a indústria cinematográfica tinha a vantagem da cor.

Enquanto produzir um filme colorido ainda era um empreendimento caro no final dos anos 1940, Algumas mudanças ocorreram na indústria no início dos anos 1950 para tornar a cor não apenas mais acessível, mas também mais realista em sua aparência.

Em 1950, como resultado da legislação antimonopólio, a Technicolor perdeu seu monopólio na indústria de filmes coloridos, permitindo que outros fornecedores ofereçam preços mais competitivos em serviços de filmagem e processamento.

Ao mesmo tempo, a Kodak produziu um filme multicamadas que possibilitou o uso de câmeras mais acessíveis e produziu uma imagem de maior qualidade. A opção Eastmancolor da Kodak foi um componente integral na conversão do setor para cores.

No final dos anos 1940, apenas 12% dos recursos estavam em cores; no entanto, em 1954 (após o lançamento da Kodak Eastmancolor), mais de 50% dos filmes eram coloridos (Britannica Online). Como resultado da legislação antimonopólio, a Technicolor perdeu seu monopólio na indústria de filmes coloridos, permitindo que outros fornecedores ofereçam preços mais competitivos em serviços de filmagem e processamento.

Ao mesmo tempo, a Kodak produziu um filme multicamadas que possibilitou o uso de câmeras mais acessíveis e produziu uma imagem de maior qualidade. A opção Eastmancolor da Kodak foi um componente integral na conversão do setor para cores.

No final dos anos 1940, apenas 12% dos recursos estavam em cores; no entanto, em 1954 (após o lançamento da Kodak Eastmancolor), mais de 50% dos filmes eram coloridos (Britannica Online). Como resultado da legislação antimonopólio, a Technicolor perdeu seu monopólio na indústria de filmes coloridos, permitindo que outros fornecedores ofereçam preços mais competitivos em serviços de filmagem e processamento.

Ao mesmo tempo, a Kodak produziu um filme multicamadas que possibilitou o uso de câmeras mais acessíveis e produziu uma imagem de maior qualidade.

A opção Eastmancolor da Kodak foi um componente integral na conversão do setor para cores. No final dos anos 1940, apenas 12% dos recursos estavam em cores; no entanto, em 1954 (após o lançamento da Kodak Eastmancolor), mais de 50% dos filmes eram coloridos (Britannica Online).

A Kodak lançou um filme multicamadas que possibilitou o uso de câmeras mais econômicas e a produção de uma imagem de maior qualidade. A opção Eastmancolor da Kodak foi um componente integral na conversão do setor para cores. No final dos anos 1940, apenas 12% dos recursos estavam em cores; no entanto, em 1954 (após o lançamento da Kodak Eastmancolor), mais de 50% dos filmes eram coloridos (Britannica Online).

A Kodak lançou um filme multicamadas que possibilitou o uso de câmeras mais econômicas e a produção de uma imagem de maior qualidade. A opção Eastmancolor da Kodak foi um componente integral na conversão do setor para cores. No final dos anos 1940, apenas 12% dos recursos estavam em cores; no entanto, em 1954 (após o lançamento da Kodak Eastmancolor), mais de 50% dos filmes eram coloridos.

Outra vantagem clara em que os cineastas tentaram capitalizar foi o tamanho da experiência cinematográfica.

Com o lançamento do épico filme bíblico The Robe em 1953, a 20th Century Fox introduziu o método que logo seria adotado por quase todos os estúdios de Hollywood: uma tecnologia que permitia aos cineastas espremer uma imagem grande angular no filme convencional de 35 mm , aumentando assim a proporção (a relação entre a largura de uma tela e sua altura) de suas imagens.

Este formato de tela ampla aumentou a qualidade imersiva da experiência de teatro. No entanto, mesmo com esses avanços, a participação no cinema nunca mais atingiu os números recordes que experimentou em 1946, no auge da Era Dourada de Hollywood.

A CULTURA JOVEM DAS DÉCADAS DE 1960 E 1970

Filmes do final da década de 1960 começaram a atrair um público jovem, já que um número crescente de jovens foi atraído por filmes como The Wild Bunch, de Sam Peckinpah (1969), 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968), de Stanley Kubrick , Bonnie and Clyde , de Arthur Penn ( 1967) e Easy Rider de Dennis Hopper(1969) – todos revolucionários em seus gêneros – que exibiam um sentimento de inquietação em relação às ordens sociais convencionais e incluíam alguns dos primeiros exemplos de violência realista e brutal no cinema.

Esses quatro filmes, em particular, arrecadaram tanto dinheiro nas bilheterias que os produtores começaram a produzir cópias de baixo orçamento para atrair um mercado novo e lucrativo (a Motion Pictures).

Enquanto isso levou a um aumento nos filmes da cultura jovem, poucos deles tiveram grande sucesso. No entanto, as novas atitudes liberais em relação a representações de sexo e violência representaram um mar de mudanças na indústria cinematográfica que se manifestou em muitos filmes da década de 1970, incluindo The Godfather (1972), de Francis Ford Coppola , The Exorcist (1973) , de William Friedkin . e os maxilares de Steven Spielberg (1975), todos os três tiveram grande sucesso financeiro.

OS ANOS 90 E ALÉM

A década de 1990 assistiu ao surgimento de duas vertentes divergentes de cinema: o blockbuster tecnicamente espetacular com efeitos especiais gerados por computador e o filme independente de baixo orçamento.

As capacidades dos efeitos especiais foram aprimoradas quando os estúdios começaram a manipular o filme digitalmente.

Os primeiros exemplos dessa tecnologia podem ser vistos no Terminator 2: Judgment Day (1991) e Jurassic Park (1993). Filmes com um escopo épico – Independence Day (1996), Titanic (1997) e The Matrix (1999) – também empregaram uma série de técnicas de animação por computador e efeitos especiais para impressionar o público e atrair mais espectadores para a telona.

História de brinquedos(1995), o primeiro filme totalmente animado por computador, e os que vieram depois dele, como Antz (1998), A Bug’s Life (1998) e Toy Story 2 (1999), mostraram as melhores capacidades de animação gerada por computador. (Sedman, 2000).

Ao mesmo tempo, diretores e produtores independentes, como os irmãos Coen e Spike Jonze, experimentaram uma crescente popularidade, muitas vezes para filmes de orçamento mais baixo que o público tinha maior probabilidade de assistir em vídeo em casa (Britannica Online).

Um excelente exemplo disso é o programa 1996 Academy Awards, quando os filmes independentes dominaram a categoria de Melhor Filme.

Apenas um filme de um grande estúdio de cinema foi indicado – Jerry MaguireEnquanto o resto eram filmes independentes. O crescimento de filmes independentes e blockbusters de efeitos especiais continua até os dias atuais. Você lerá mais sobre as questões e tendências atuais e sobre o futuro da indústria cinematográfica mais adiante neste capítulo.

PRINCIPAIS CONCLUSÕES

O conceito do filme foi introduzido pela primeira vez a um público de massa através do cinetoscópio de Thomas Edison em 1891. No entanto, não foi até os irmãos Lumière lançar o filme em 1895 que os filmes foram projetados para a visualização do público. Nos Estados Unidos, o cinema se estabeleceu como uma forma popular de entretenimento com o teatro Nickelodeon nos anos 1910.

O lançamento de The Jazz Singer em 1927 marcou o nascimento do filme falado e, em 1930, o cinema mudo era coisa do passado. Technicolor surgiu para o cinema na mesma época e encontrou sucesso inicial em filmes como O Mágico de Oz e E o Vento Levou . No entanto, as pessoas continuariam a fazer filmes em preto e branco até o final dos anos 50.

Em 1915, a maioria dos grandes estúdios cinematográficos se mudou para Hollywood. Durante a Era de Ouro de Hollywood, esses grandes estúdios controlavam todos os aspectos da indústria cinematográfica, e os filmes que eles produziam atraíam multidões para os cinemas em números que ainda não haviam sido superados. Após a Segunda Guerra Mundial, o sistema de estúdio declinou como resultado da legislação antitruste que tirou o poder dos estúdios e da invenção da televisão.

Durante as décadas de 1960 e 1970, houve um aumento nos filmes – incluindo Bonnie e Clyde , The Wild Bunch , 2001: Uma Odisséia no Espaço , e Easy Rider – que celebravam a cultura jovem emergente e uma rejeição ao conservadorismo das décadas anteriores. Isso também levou a atitudes mais frouxas em relação a representações de sexualidade e violência no cinema. As décadas de 1970 e 1980 assistiram à ascensão do sucesso de bilheteria, com filmes como Tubarão , Guerra nas Estrelas , Caçadores da Arca Perdida e O Poderoso Chefão .

A adoção do videocassete pela maioria dos domicílios na década de 1980 reduziu o público nas salas de cinema, mas abriu um novo mercado de massa para os espectadores de filmes domésticos. Melhorias na animação por computador levaram a efeitos mais especiais no cinema durante a década de 1990, com filmes como The Matrix , Jurassic Park e o primeiro filme totalmente animado por computador, Toy Story.